Adquierelo: Disponible en su disco "Safari disco club"
Después de una extensa gira por la republica mexicana, el grupo frances Yelle, presenta un vídeo más, esta vez para su sencillo "Comme un enfant", que supone uno de los puntos mas bailables de su segundo disco, un track en que incluso por momentos la producciones tal, que olvidas que Julie canta.
El video esta dirigido por Jeremy Saidon, y muestra a la vocalista en un cuarto rosa donde distintas figuras y bailes se van generando durante el tema.
Aun no termina con la promoción de su álbum "Lupercalia" y ya se encuentra promocionando un disco más, esta vez se trata del EP Brumalia, que contendrá varios temas inneditos ademas de diversas fotografias del cantante (la portada fue hecha por Patty Smith).
El video es un tratado visual como pocos, y Wolf ha decidio nuevamente invertir en favor de la musica, un tema epico, de tintes medievales que combina lo mejor de la tecnologia para formar un pop barroco de tintes futuristas.
Después de la extraña recepción de su primer sencillo "Beat of my drum", y el desapercibido "Lucky day", llega a nosotros el siguiente sencillo de Nicola titulado Yo-Yo, un tema con tintes dance donde se habla de un hombre indeciso que no sabe si escogerla a ella o no.
El vídeo escrito por Roberts es la clásica historia de amor que termina mal. Si bien este recurso es bastante obvio, la estética visual de sus anteriores dos sencillos se mantiene, lo que le da un toque bastante atractivo.
Respecto al tema, este es tal vez uno de los mejores tracksdel disco, donde la voz de Nicola se encuentra en balance perfecto para la Radio 1 de UK, asi que esperemos que esta vez tenga mucho mejor suerte.
Mientras continua con el tour musico-promocional de su anticipado álbum, Del rey ha confimado que su disco se llamara "Born to die" y saldra el proximo año, se espera que el sencillo que da nombre a la tan esperada producción llegue en cualquier momento del mes de diciembre.
Por lo mientras los dejamos con la presentación de "Videogames" en el ya mitico show Taratata
En una época donde todo
pasa tan rápido, donde la música cada dia se llena de productos más genéricos,
regresa esta mujer, la cual hace muchos años fue igual o más extravagante que
cada una de las exponentes de la actualidad, ¿la diferencia?, ella escondía en cada uno de sus temas, fantasía y
sensualidad bañada de muchos mensajes ocultos que obligaban al
escucha a poner sus temas una y otra vez.
Actualmente
es una mujer madura, que en busca de darle a su hijo una vida
"normal", decidió retirarse del ojo público para
concentrarse en la crianza de este. Años más tarde cuando hubo tiempo lanzo su
noveno álbum Aerial (2005), aclamado por la crítica y con
un éxito rotundo, nuevamente desaparece. Ahora 6
años después presenta 3º disco en más de 15 años y el segundo de
material inédito (recordemos que este año lanzo Director`s cut,
una revisión de sus discos The sensual world y The red shoes) un álbum de
solo 7 tracks con duración de 56 minutos que lleva por nombre
50 words for Snow.
El álbum es
un compilado de temas inspirados en el invierno (no en la navidad), que van
desde una imagen (ejemplo, la portada), una palabra, o una creación de
esta y por último la leyenda que inspira al título del disco, un historia
sobre sinónimos creados por esquimales, que al parecer nunca se ha
confirmado del todo.
En fin, musicalmente
para bien o para mal no hay innovación, pero a cambio hay un sonido
consistente lleno de texturas muy producidas que dan la sensación de
estar en un lugar aparte escuchando las intensas historias de Bush, que a
primera impresión podrían ser una tomadura de pelo, pero nada de eso,
ella escribe para sí misma y en un lenguaje por demás propio, cuenta
momentos, instantes o fotografías del momento que
se apoyan de los detalles para llegar por momentos a
conmover. Así es como escucharas la historia de una bola de
nieve que cae desde lo mas alto (Snowflake) o la historia de amor entre
una chica y un muñeco de nieve (Mysti) todas ellas en una voz que se ha
vuelto más reflexiva con el tiempo.
El punto cumbre llega en Wild man,
una historia acerca del hombre de las nieves, que tiene uno coro por demás hipnótico. Después llega
Elthon John para hacer dueto a una historia de amor que nunca puede terminar, y
por ultimo Sthepen Fray en el conteo ya mencionado de palabras.
Este no es un disco fácil, de
hecho si se hubiera publicado en otro momento realmente seria un trabajo más complicado
de analizar. Pero si eres amante de los discos conceptuales, esta es la
oportunidad para escuchar a una mujer que solo sale a la luz cuando tiene algo
que decir.
Adquiero: A partir del lunes en todas las plataformas musicales.
Después del controversial álbum "Y punto (.)", Bebe regresa a los estudios para trabajar en un nuevo material, que llevara por titulo de ""Un pokito de rockanrol", que saldrá el próximo año, en el mes de Febrero y sera producido por Phil Manzanera.
El primer tema, uno de los mas arriesgados de toda su carrera, en el que regresa a la fusión de ritmos de su debut (que tampoco era la gran innovación), con un sonido mas alegre, vivas y sobretodo directo. El tema es un deletreo sin fin del titulo, mientras bebe suplica "que la quieran como quieran pero que la quieran". Definitiva este adelanto solo prueba que para bien o para mal , si hay artistas que están dispuestos a arriesgar (sacrificar en este caso) su carrera en busca de un sonido nuevo.
Adquierelo: Comprando la aplicacion para ipad, o si lo prefieres la version fisica.
Después del accidentado Volta, muchos dudaron de la capacidad de la
islandesa de innovar y no es para menos, un pequeño tropiezo (con la finalidad
de regresar al "pop") que le costó unos cuantos fans y dejo en
descontento al resto. Por suerte ese mismo disco la llevo a dar una de las
giras más extensas de toda su carrera, lo que le permitió componer
durante ese tiempo y almacenar unas ideas que más tarde se combinaron para
formar "Biophilia".
El disco es el primero en denominarse como "App Album", donde
a cada canción le corresponde una aplicación interactiva alusiva al tema,
mientras que todo el álbum permanece almacenado (junto con partituras y
una explicación de cada canción) en una aplicación "madre"
que corresponde al tema Cosmonogy.
Como siempre podemos decir que lo principal es la música, por lo que en
definitiva este es el álbum "reivindicación" de la islandesa. Un
compilado de 10 temas donde se tuerce la electrónica una y otra vez, para
combinarla con la instrumentación mas orgánica posible y hacer un
universo único y especial, donde el pop trata de tener otro
significado.
Vocalmente, hay una diferencia debido a que la cantante corría el
riesgo de perder la voz, debido a que se le detectaron nódulos en la garganta,
por lo que decidió volver a tomar clases de canto y no operarse, el resultado,
una Bjork mas contenida y precisa en sus acrobacias vocales, además de
nuevamente contar con un coro de (sirenas) de niñas islandesas que son un
instrumento más en esta producción. Líricamente ha decidido dejar las metáforas
terrestres para centrarse en el universo y la naturaleza como tópico principal.
Así encontramos una extraña metáfora del amor y los ciclos lunares
(Moon), el camino del ADN para formar la vida (Hollow), un pequeño segmento de
Gibberish (lenguaje secreto) en Dark Matter, o la creación del universo
en Cosmonogy. Pero aun hay mas, desde el primer sencillo
Crystaline, se aprecia a una Bjork con intenciones de no perder la
energía, en una esplendida combinación del breakbeat, drum and bass y las
programaciones que solo ella sabe usar. Mientras que en Thunderbolt se escucha
un tema enteramente dedicado al uso de la Bobina de Tesla, y en Sacrifice
y Mutual Core, se convierten en recordatorios de quien utilizo la
electrónica en el pop primero.
Ella no necesitaba hacerlo, pero Biophilia se convierte en el primer
gran disco de su tercera etapa musical, un recordatorio de que aunque nadie lo
quiera aceptar 20 años después ella aun tiene algo que decir.
De un tiempo para acá, las mujeres han logrado resultados mas artísticos que sus contemporáneos masculinos, he incluso han hecho algo casi imposible años atrás, romper la barrera de los géneros.
Pero con las artistas del maisntream, la situación es otra, esta se ha convertido en una carrera por la reinvención,la imagen, el estilo y probar una y otra vez su talento, dejando de lado lo más importante que es la música, y la señorita RiRi pertenece a este grupo.
Mientras se encontraba de gira (que aun no termina) para promocionar su disco Loud, la señorita de Barbados se preparaba para grabar algunos cortes extra como parte de la reedición de este disco, sin embargo eran tantos los temas que se grabaron que se decidió por un nuevo álbum, así que un año y una semana previa a su antecesor, nace esta placa de curioso nombre Talk that talk.
El disco cuenta con las colaboraciones de Stargate, Bangladesh, The dream y Alex Da kid, pero tristemente todo queda opacado con la producción de Dr.Luke, que realmente necesita un descanso, o terminara como el Timbaland de esta época, y es que realmente no sucede aquí nada innovador y peligrosamente se escucha un material con temas muy prescindibles.
Punto y aparte esta Calvin Harris, a quien se le puede tachar de un letrista amateur (el coro del primer sencillo se repite 16 veces), de purista por poner una melodía realmente limpia de beats, pero no se le puede negar que de todos los presentes en esta producción es el mas innovador.
Y es que We found love, es una de las mejores canciones de Rihanna en toda su carrera, el único momento donde incluso su voz (una octava arriba) sorprende, pero erróneamente no se acerca a nada de lo que TTT contiene.
Este nuevo discos es una colección de distintos géneros, que van del electro, el urban y el r&b, el problema viene cuando intentas escucharlos en un disco, es una mezcla nada homogénea, donde incluso algunos temas por separado tienen muchísimo menos personalidad.
Temáticamente Rihanna va a los extremos al hablar del amor, aquí lo cuenta desde todas las perspectivas (obsesivas) posibles y así habla de lamer.. su engreimiento (Cockiness) o de seducir a los hombres aunque estos no reciban nada a cambio (Birthday cake).
Cuando desea ser la mejor en lo que hace (que es basicamente el canto), estan temas como el primer sencillo You da One, que es el tema perfecto para la reconciliación con las radios americanas (que igual ya le dieron el numero 1 con We found love), o Drunk love, donde samplea el tema Intro de los ingleses The XX, que es otro de los puntos logrados del disco.
La edición deluxe contiene algunos temas extras entre los que destaca una bomba dubstep de nombre Red Lipstick, de esas que contenía su infravalorado disco "Rated R". Lo único que se comprueba es, que aunque ella simplemente sea la voz de todas estas ideas (música, letras, imagen etc.), nunca esta demás tomarse un descanso y pensar mejor las cosas, antes de presentar algo que a todas luces se siente como un trabajo por demás express.
La rola: ¿Como puedes vivir contigo mismo?, Tatuaje
Adquierelo: itunes
El proyecto Odisea y su disco debut, han sido una de las mejores sorpresas musicales pop avant-garde que nos hemos encontrado en años, una producción que mezclaba lo bailable con lo orgánico, una especie de pop futurista. Ahora años después y con mayor confianza en su persona, Alex ha dejado los sobrenombres y se aventura a lanzar un disco bajo su nombre, que aun así representa una continuación al conceptoal proyecto antes mencionado, pero esta vez bajo una perspectiva más personal.
Si bien en Odisea se habla desde una perspectiva de ciudad, en Rebeldes se percibe un aire de libertad personal, donde se habla de una nueva visión de las cosas, de adentro hacia afuera. Las letras hablan del amor y la vida en todas sus facetas,estas muy bien ensambladas con la música y melodía.
Esto solo es obra de EL PRODUCTOR Cristian Heyne (Javiera Mena, Gepe), quien además de tener la habilidad de convertir en oro todo lo que produce, crea (no importando el género) melodías capaces de incrustarse en el cerebro del melómano y ser repetidas una y otra vez.
Guiños a la búsqueda de una producción mas cuidada se aprecian en la bacán ¿Cómo puedes vivir contigo mismo?, una canción donde Anwandter se libera de todo y no tiene miedo a los juicios con una frase que lo dice todo "Y aunque digan que es malo, yo me siento en el cielo". A partir de ahí todo es protagonismo electrónico puro, pero siempre manteniendo un equilibrio necesario para letras tan directas como en la romántica Como una estrella, o Felicidad, ambas un combo contrastante en letra pero ambas con ideas bien ensambladas.
El primer sencillo Tatuaje, es una de las mejores canciones que han salido en toda su carrera y es que es un tema que sin caer en lo edulcorado del pop (léase Belanova) atrapa a la primera escucha con frases como "Guardo el tatuaje de nuestra época más gris".
Este será un material un tanto difícil para la gente, por lo pop de su contenido pero citando otro de los puntos altos de este disco, en el tema que da nombre a la producción, Alex nos canta "Dos personas nunca son iguales...para siempre", y él es uno de los artistas que esta en cambio constante, en busca de ofrecer algo a la ya tan aclamada escena de la música chilena.
Carla Morrison se encuentra en un punto crucial de su carrera, en definitiva su nuevo álbum "Dejenme Llorar" sera uno de los mas esperados de la escena mexicana. Y como una de las primeras sorpresas antes de su concierto en el Teatro Metropolitan, Carla nos muestra su primer sencillo del mismo nombre.
Una balada donde Carla pide al mundo que la dejen desahogarse por una ruptura amorosa, hasta este instante el tema podría sonar trillado, pero es en su producción (a cargo de Juan Manuel Torreblanca y Andres Landon) donde se muestran nuevos sonidos, mas alejados de las cosas acústicas de sus inicios y ahora se muestran como una herramienta en función de la voz de Morrison, quien se escucha segura y decidida. Así mismo la letra se percibe mas directa que sus composiciones anteriores lo cual le brinda aun mas honestidad,en definitiva un buen avance de lo que se podría escuchar en su siguiente producción.
Después del éxito de
su 5º producción discográfica Luphercalia, Patrick Wolf
continua con la promoción de algunos de los temas contenidos en este.
El turno llega ahora para The Falcons, una canción de aires
positivos acerca de cruzar la línea e iniciar todo de nuevo, todo esto
acompañado de la ya conocida sección de cuerdas y
la alegría esperanzadora en la voz de Wolf.
El vídeo es un bonito collage que sirve apreciar la
belleza barroca del tema creado por Norioko Okaku.
Para conmemorar la noticia de la salida del segundo álbum de Marina
Diamandis que llevara por título "Electra heart", que de acuerdo al
twitter de la cantante saldrá en el mismo mes que salió su debut, por
lo que para Febrero estaremos escuchando su nueva propuesta.
Para calmar las ansias de sus fans, Diamandis ha
soltado en la red el tema "Starring role", que a diferencia de las
baladas de su primer disco, esta tiene un arreglo mas producido en busca de un
sonido épico que se queda un tanto a medias. Por suerte esta es
la versión demo. Mención aparte de la voz y letras del
proyecto que cada día se acercan a la perfección.
Cancion: La cumbia prohibida feat Li Saumet 7.5/10
Adquierelo: itunes o en la red.
Niña Dioz continua con los preparativos de su nuevo álbum, y mientras
continua con la promoción de su mixtape "Chicos tenis y
cachucha", se ha dado un tiempo para realizar este tema al lado de una de
las mayores exponentes del la electrocumbia Li Saumet (Bomba stereo), quien curiosamente
sale avante de esta contienda de rap.
La cumbia prohibida, es un paso adelante en la extraña estrategia
de promoción que esta chica tiene, veremos que sucede cuando llegue su nuevo disco
que lleva más de un año a la espera de salir.
Los tiempos para Amanda Lalena no han sido
muy afortunados, después de su comentada salida de Sony, el escaso
recibimiento de su segunda placa (que tampoco era tan bueno como su debut) y
accidentes con la farándula, parecía que este era el fin de su
carrera.
Por
suerte escogió el mejor lugar para mostrar su música, desde la
escena indie, que la recibe con los brazos abiertos. Ahora
bajo un concepto de espectáculo teatral, presentara en diversas
partes del Distrito Federal, su 3º placa titulada "Amor en ridículo",
que supone aun más crítica social que en sus anteriores placas.
El primer sencillo
lleva por título "La criada" y sin ser la sorpresa que supuso
en su tiempo "La güera televisa" resulta extrañamente adictiva. A
diferencia del tema antes mencionado, este sencillo regresa a
las raíces lo-fi de su debut, concentrándose en el
contenido de las letras, que esta vez no tiene miedo de expresar el
mensaje en su totalidad.
Miranda! siempre ha sufrido de la maldición de tener un disco perfecto como lo fue su debut Es mentira, un compilado de pop lo-fi con un ensamble vocal que hacia recordar los mejores momentos de dúos como Pimpinela. Ahora y después de 4 discos, regresan con su quinta placa de nombre pegajosamente pop, Magistral.
Una vez más continúan con la colaboración de Cachorro López, quien ha llevado de un extremo a otro musicalmente hablando, tal vez es por ello que la banda no ha encontrado un espacio propio desde que el nivel de producción comenzó a subir en sus discos.
Por otra parte Alejandro Sergi continua con ya clásica temática de la pareja, la diferencia sería que una vez más con poco nos dice realmente mucho (algo que encontrabas en sus primeros discos) creando simples temas con mucho gancho pop.
El sonido de la banda no ha cambiado mucho desde Sin restricciones, pero ahora se han aventurado por meter algunas programaciones aquí y allá y experimentar con el high energy. El problema de la banda realmente sigue siendo el de siempre, la necesidad de ser continuistas pase lo que pase, y es que la banda realmente se renueva en cada producción, pero su concepto los ha sobrepasado tanto, que ya nadie nota alguna innovación en la que algún día fue la cara que renovó el pop.
Como es de esperarse los mejores temas vienen los mejores ensambles vocales como en Ya lo sabía, donde Sergi canta lo resignado que se encuentra al terminar una relación, o la sorpresa por parte de Juliana Gatas, quien es la protagonista en dos temas, Dice lo que siente y Puro talento. La primera uno de los temas más bailables, mientras que el segundo con reminiscencias mas electrónicas donde se nos da una pauta de que tal vez algunas de las ideas del disco pudieron quedar descartadas.
Y es que como siempre hay composiciones sublimes (10 años después), pero el disco se siente sin terminar, como si la banda le faltara algo. Y es que los temas podrían ser memorables, pero hay una falta de homogeneidad que hacen que como conjunto san difíciles de escuchar.
Por ahí hay alguna que otra joya, como en Tucán, tema bailable, que se separa de todo lo que han hecho hasta ahora, y es tal vez por temas como estos donde te das cuenta que la banda pasa por un proceso de transición, donde habrá que esperar que resulta de tantos años de experimentar de manera indirecta.
Fue hace cuatro años, cuando Leslie Feist lanzó The reminder, un álbum perfecto de la escena indie pop. Nadie (incluso ella) se esperaba tal recibimiento, el disco vendió mas de dos millones de copias, llego a los Grammys, Plaza Sésamo, realizo increíbles videos y después de todo ello, desapareció.
Tal fue la presión ante el éxito, que lo único que deseaba la canadiense era mantener su integridad artística intacta, y así bajo este manifiesto es como se crea su cuarto álbum Metals.
Producido por ella misma con sus colaboradores de siempre Mocky y González, su segunda placa presenta una notable evolución en su propuesta, cargada como siempre de sentimiento pero esta vez llevado a otras latitudes, donde el amor es el principal protagonista. Aquí se han marchado los coros pop, las guitarras limpias y los coros efectivos, y a cambio se entrega un material muy sobrio y delicado donde el virtuosismo de Feist esta mas que marcado.
El disco inicia con un tema muy oscuro pero conmovedor, en The bad of each other, se habla de las calamidades que sufre una pareja cuando la situación para ambos no es buena, acompañada de tambores, metales y la guitarra como protagonista de una secuencia hipnotizante y cautivadora. y a partir la temática permanece, como en Graveyard, donde ruega que por favor " Regresar a alguien a la vida". En el primer sencillo, How come you never go there, una dulce melodía acompaña a un tema donde Feist mantiene la calma ante una separación donde ella al parecer es la más afectada.
El punto alto de estridencia viene con el tema A commotion, un tema 100% rock donde los coros masculinos contrastan con la dulce voz femenina, dando como lugar un tema que por momentos incluso es bailable. Mientras que en "Bittersweet melodies" y "Anti Pionner" la melodía se impone para crear imágenes delicadas sobre las historias que aquí se cuentan.
A partir de este punto el álbum se vuelve más tranquilo manteniendo las melodías en favor de la letra, tal vez el problema venga de que no hay sencillos tan efectivos, o momentos tan directos como en The reminder, pero es ahí donde agradeces que no tomo el camino fácil, todo lo contrario se centro en un contexto que en un futuro la dejara ir aun mucho más libre sea cual sea la ruta musical que desee tomar.
El cuarto lugar del reality show The X factor UK, ha resultado ser toda una sorpresa para la mayoría del público y críticos, que quedaron poco contentos después de una irregular participación en el programa que la vio nacer, catalogada por muchos como una niña malcriada que busca mas escándalo que aspiraciones musicales.
Puede que todo esto sea cierto, pero se nota que cuando ingresa al estudio mucho de ello desaparece para dar pie a una persona que lo entrega todo en cada track, que curiosamente es disfrazado con frivolidad, actitud rebelde y una extraña dosis de ternura. Esta ultima la razón por la cual este trabajo a primera vista pueda ser tomado como un extraño chiste, donde no sabes en realidad a quien estas escuchando en las bocinas.
Y es que esta señorita no es Nicki Minaj, pero se nota que trabaja en su rap tanto como puede para evitar caer en la pretensión. Así que evitaremos hablar de errores que evidentemente demuestran que cuando se es una artista de alguna manera "fabricada", ello conlleva que las responsabilidades que solo deberían ser de una persona (el artista) pasen a muchas manos, muchas veces alterando el trabajo final tanto, que su intención original se pierde.
Pero si podemos hablar de los temas que impresionan donde quedan recargadas las esperanzas para un futuro mucho mejor.
Esta se encuentra en los temas más cargados de humor como en Swagger Jagger, que tiene un coro pegajoso pero es en su letra que amaras u odiaras se encuentra la clave para entender su cínico deseo de atención. Si bien su punto débil viene en las canciones de Amor, el tema producido por Max Martín ,With your love, es un balanceado tema logrando un perfecto producto pop. E
El mejor tema del disco es Dub on the track, casi no hay canto mas bien rapeo y es un tema que dejaría a muchas de sus contemporáneas temblando, ante tan sólido track perfectamente hecho para la pista de baile. En Grow Up,Cher grita a los cuatro vientos que "es una princesa no una reina" dejando en claro que aun tiene mucho por aprender. Un trabajo interesante, divertido, pero poco original.
Tres años después de "Lungs" su álbum debut, Florence Welsh regresa con un disco esperado por muchos y con la presión por el éxito mas que nunca.
Así que con la ayuda del productor de su primer disco Paúl Epworth, Florence presenta un álbum grande en todos los sentidos, voz, música, ideas, imagen y concepto, todo con el único fin de demostrar que tiene mucho que dar, y así se crea este trabajo bajo la temática de un exorcismo espiritual titulado Ceremonials.
El disco es un trabajo mas operístico e instrumentado que su debut, donde no hay espacio de reflexión entre cada track y en el cual Welch nos muestra cada rincón de su voz , mientras nos platica de exorcismos, suicidio, amor y esperanza, todo mezclado con la dosis pop necesaria que su opera prima contenía.
El tema introductorio es Only for a night, una tierna balada oscura donde piano y voz dominan el track, pero es en el primer sencillo Shake it out, donde se nota la evolución como banda, un sonido más preciso y muy cuidado en los detalles. El mejor tema del disco viene de la inspiración del suicidio de Virginia Wolf en What the water gave me, un tema de casi 5 minutos de duración donde el sonido va de menos a más en un final predecible pero totalmente necesario para crear uno de los mejores temas en lo que va de su carrera.
Y para cuando llega el segundo sencillo No light no light, la cumbre del disco se siente cerca y es ahí donde radica el problema de este álbum. Con esta segunda placa ya escuchamos gran parte de las habilidades vocales de Welch, quien sobreexpone su herramienta principal, creando por momentos temas que parecen una nota sostenida con múltiples variaciones musicales, y es que lo que más importa cuando tu voz ya es lo suficientemente estridente para hacerse notar, es tener la capacidad de expresar con ella en el momento necesario, para evitar la monotonía, desafortunadamente cuando se tienen muchos tracks en un disco se corre el peligro de caer en este problema, y mucho de ello sucede aquí, grandes temas bien pensados pero poco prácticos en ejecución.
Uno de las canciones más interesantes lleva por nombre Breakingdown, donde la voz se mantiene en un registro medio, que combina con el sonido ochentero que aquí se plantea, y es ahí cuando te das cuenta de que este proyecto aun tiene mucho que dar.
Es una ironía que su disco más sintético, sea también el mas honesto y homogéneo. Así es, después de 3 años, en los que se dedico de lleno a la pintura (actualmente se encuentra preparando una exposición inspirada en el disco) y después de mucho esperar se concentro en la grabación de un nuevo disco. Esta vez inspirada por los sonidos electrónicos, dejo las guitarras y baterías de lado y le dijo hola a los sintetizadores, protagonistas de la tercera placa de Florencia Ciliberti, "Palabras Gastadas".
Producido por Gustavo Iglesias (babasonicos) y Mariano Oliva (Christiano Basso) y con la ayuda de los músicos Leonardo Salas en bajo y Andrea Ciliberti en bases rítmicas y percusión, se logra un compilado de electrorock sólido y preciso, donde cada elemento esta pensado detenidamente.
El disco inicia con marchita, tema donde Hana experimenta con el tecno. Pero es en la canción que da nombre al disco, donde Hana logra uno de los mejores tracks de su carrera, su voz y el ritmo se combinan en tema lleno de sensualidad. Le sigue "Devota", donde se torna mas dance mientras se habla de la espera de un amor con frases como "Mi soledad no fue elegida apenas soportada".
Otro punto interesante del disco es que las letras y música fueron trabajadas por separado, por lo que ambos procesos por muy individualistas que puedan parecer, funcionan como una buena técnica para darle color y forma a cada aspecto de lo que comprende una canción.
El disco continua con esta energía en temas como "Parte de todo" donde las bases electrónicas invitan al baile. Los temas de ciudad decadente continúan en el disco ("No hay vuelta", "Cosas pendientes"), pero en Sanación da otro gran salto en un tema fresco, reflexivo, acerca del cambio que a veces todos necesitamos para movernos de lugar. El disco termina con el tema mid-tempo "Conectándonos", donde Florencia canta suavemente invitándonos a terminar con esta peculiar fiesta.
Es como si hubiera combinado la sencillez musical de su debut Fetiche y lo reflexivo y popero de Señuelos, para probar al publico y la critica que no se necesita nada mas que propuesta e identidad para sacar un trabajo impecable, en efecto esta es su mejor placa.
Camille Dalmais sorprendió a todo el mundo con su segundo disco "Le fil" (2005), un trabajo hecho enteramente sobre una nota sostenida que se escucha a través de todo el álbum y que es la inspiración para cada uno de esos temas. Después de ello nadie sabía cuál sería el paso ante tal innovación, así que para el año 2008 lanza "Music Hole", un álbum en esencia parecido, pero ahora con la peculiaridad de utilizar la métrica y sonido del idioma ingles.
Ahora producido solo por ella (su colaborador habitual es Majiker), ha decidido romper una vez más los esquemas, le ha dado por primera vez un acompañamiento más formal a toda la instrumentación vocal que ella realiza y escogido grabarlo en diferentes lugares (desde una iglesia hasta su cuarto, pasando por el estudio),bajo múltiples posiciones corporales y todo ello en una sola toma y con muy poca post producción, sumado a ello su nueva etapa como mamá le ha dado nuevas ideas de lo que un disco y su temática deben ser, y así nace su cuarta placa de nombre Ilo veyou (i love you).
Un álbum que se aleja de toda etiqueta comercial, y aun así es muy accesible y en pocas palabras Pop. El trabajo se compone de melodías en ingles y frances que van acompañadas de ridículos beats vocales que son simplemente pegajosos. Y aunque en su idioma natal se sienta en libertad de expresar sentimientos más profundos, como el de la separación de una pareja (L'étourderie), nunca pierde el humor ni la gracia que la caracteriza como el track "Allez allez allez", donde un coro (compuesto solo por ella) infantil la acompaña durante toda la canción.
El primer tema en ingles es una tierna analogía del sexo titulada "Wet boy", donde Camille se pregunta "Chico húmedo, sabes tú que se siente estar húmedo?", mientras una guitarra acompaña la dulce voz de la francesa que, eso si nunca pierde el acento por lo que su canto en el idioma anglosajón es único. El mejor tema del disco viene acompañado de una letra muy inocente, donde una mujer extraña a su pareja mientras se da cuenta de que "Marte no es divertido", con unos cuantos destellos de campanas y una trompeta que sale de su propia boca, creando en "Mars is no fun" uno de los mejores temas de toda su carrera.
Y durante el resto del disco seguirás encontrando experimentación por todos lados (Ilo veyou) y temas de exquisitez made in france (Le berguer). En La France, Camille nos crea una curiosa postal de su país, con una voz que cada día se acerca más a Edith Piaf (guardando las distancias), y una prueba de que esta chica merece toda tu atención. Una de las mejores placas del año y uno de los discos más valientes donde a diferencia de muchos, todo es 100% humano.
Producido por No ID, el rapero Common regresa una vez más, para impactarnos con
su fraseo y agresividad contenida que siempre lo han caracterizado. Esta vez
con un efectivo sample de "Mr Blue Sky" de la Electric Light
Orchestra, y su fraseo en conjunto, hablan de un nuevo comienzo y la
manera de llegar a él.
Caso curioso que
el mantenga su estilo no importando los cambios tan drásticos que se han
generado en la escena del hip-hop americana, este tema sin tanto artilugio bien
podría hacer competencia al señor Kanye West.
Después del controversial y poco memorable "Swagger jagger" (que finalmente si debuto en el Nº1 en UK), Cher prepara su primer disco disponible el 7 de este mes. Y como siguiente sencillo promocional lanza este tema producido por Max Martin (Katy Perry), titulado With your love, un tema que musicalmente suena a lo que se está escuchando en la radio, pero con la diferencia de que suena mucho mas pulido y menos pretencioso, tanto así que se dan el lujo de contratar al rapero del momento Mike Posner, para dar unos cuantos versos (inocentemente adecuados para la edad de Lloyd), creando un tema efectivo, que nos da la oportunidad de querer escuchar su tan esperado debut.
Hace unas horas Björk ha publicado un vídeo de la versión en vivo del tema "Thunderbolt", incluido en su mas reciente producción Biophilia (que pronto reseñaremos), la curiosidad viene cuando la islandesa añade "Por favor utilicen los audífonos adecuados cuando lo escuchen". Punto aparte los visuales de la Bobina de Tesla, curioso instrumento de este disco.
Adquierelo: Disponible en su album debut "On a mission"
Después de su nominación en los Mercury Prize (perdiendo contra Pj Harvey), la británica Katy B parece no querer descansar y después de mucho pelear ha llegado a la unión americana el disco, y ahora nos presenta el que al parecer será el último (número seis para ser exacto) sencillo de su opera prima.
Movement es un medio tiempo muy r&b donde se habla de aquellas relaciones donde simplemente no pasa nada, de ahí su constante coro "give movement!!". Por otra parte el video esta ambientando en unas breves vacaciones por Ibiza, disfrútenlo .
Una mujer que va
divagando sobre el amor en todas sus facetas, de eso y más se trata el tema
"Baby says", el nuevo sencillo de Alison Mosshart y Jamie Hince. Un
medio tiempo que conserva algunos de los elementos rítmicos que los ha
caracterizado en estos últimos años.
El clip bajo la dirección
de Ben Crook, el video se centra en la vida de un travesti y su aventura por la
ciudad.
Uno de los temas más impactantes del álbum
de esta banda, viene acompañado de una letra como pocas, un cruce entre Jose
jose y el lenguaje de extremo sentimiento de los jóvenes de hoy. Eso es
"enemigo" el ultimo sencillo de la banda Enjambre, quien actualmente
se encuentra de gira.
Bajo la dirección de Chicle (que pensamos
estaba retirado), nos presenta una idea bastante interesante, la vida de dos
guerreros dentro y fuera del campo de batalla, no les decimos mas, disfruten
del clip.
Adquierelo: Disponible en su album " Buen soldado"
Después de una inesperada visita a México,Francisca nos presenta un clip mas para mas reciente álbum, el turno es para "En mi memoria", la única balada del disco, que habla sobre alguien a quien ella siempre recordara sobre todas las cosas.
El vídeo dirigido por Francisca Alegría, muestra a la cantante en una mansión mientras se dispone a enterrar (al parecer) su pasado.
Después del controvertido sencillo Mout, el trío franco-mexicano regresa para mostrarnos un interesante visual para su canción "El desorden".
El video bajo la dirección de Floria González, muestra a una mujer de una época anacrónica, obsesionada con algo, con una mente llena de preocupaciones, que parece ser absorbida por ese extraño mundo. El clip cuenta con la aparición del trío completo (aunque a Jerson y Mike les difuminan el rostro) y a Juan Manuel Torreblanca. Uno de los mejores trabajos visuales del año, y una nueva oportunidad para lo que no han escuchado la canción.
Las pipettes
regresan con un sencillo peligroso para su
carrera artística, así es, una vez más las chicas vuelven al
sonido que tanto las hizo famosas. Con ayuda de guitarras sencillas, baterías
rápidas y un juego de voces mucho mejor logrados, crean un sonido sencillo
efectivo y agradable al oído.
Y aunque exista
el riesgo de que la gente de verdad ya no entienda su propuesta, las chicas
tienen la oportunidad de redimirse, buscar el perdón de la critica, y
sobre todo del público.
